En el año del maestro Fernando Botero, el Parque Biblioteca de San Cristóbal, que lleva su nombre, rinde homenaje al que es considerado el artista vivo más importante de la historia del arte Colombiano. La Sala Botero, es un espacio que recoge reflexiones, historias, imágenes, videos, y en general, expresiones multimediales que, de manera libre y con la profundidad creativa y de análisis, haya en el acervo cultural alrededor de la vida y obra de este artista, no solo exaltando su trabajo, sino profundizando sobre él, de manera que otros artistas se vean reflejados sino en su trabajo o en su proceso creativo, sí en su sentir que como artista plástico lo lleva a crear para el mundo.  Mes a mes se alimentará este espacio y se abrirá uno de interacción con el público a través del Facebook @PBSanCristobal, donde tendremos conversaciones con actores artísticos, sociales y culturales que nos darán, desde su mirada, una interpretación holística de la obra del maestro, en el entendimiento de ésta como base inspiradora para otras manifestaciones del arte. 

Plaza Botero | Caminemos

Te invitamos a realizar un recorrido por las obras de Fernando Botero en la más amplia galería que tiene en la ciudad de Medellín, la cual, aunque no es espacio de comercialización, sí es un espacio pedagógico que, desde la contemplación, invita a las personas a valorar el arte plástico y visual del maestro.

Sala Botero | Décima reflexión

Con la décima reflexión de nuestra Sala Botero, pícate la curiosidad y ahonda en los elementos que configuran la identidad del artista como una apuesta por reflejar al sujeto en su obra.

Décima reflexión | La identidad detrás del artista

Son diversas las características que cumplen las obras de un artista que hacen que se le identifique como diferente de los demás; esto tiene que ver con asuntos como el estilo que maneja, la gama de colores que usa, la temática sobre la que crea y busca expresarse, pero también aquellos que elementos que le hicieron ser la persona que transmite ser, es decir, su origen y experiencias como ser humano, el relacionamiento con los demás en variados y distintos aspectos de su vida, los triunfos y fracasos, entonces, ¿Cuál es la identidad detrás del artista? Un primer acercamiento al problema es que la construcción entre el ser y su hacer, especialmente el de los artistas, es un inacabado dar y recibir del entorno, de las personas que le rodean y de su inquietud subjetiva por el mundo, pero el resultado será siempre el de la influencia en los otros, siempre que su trabajo mueva sus fibras, emociones y sentimientos.

De ahí que teóricos como Castells dividan la identidad de los artistas como si esta fuese el resultado de su influencia en los demás, dejando ver tres clases: la que busca ser un proyecto que parte de lo que poseen los artistas y pueden hacer para cambiar su posición social, la forma en la que los ven para, en consecuencia, transformar a la sociedad; la identidad que, por el contrario, es el resultado del discurso dominante de la sociedad y el hacer del artista que lo legitima, y la “Identidad de resistencia: generada por aquellos actores que se encuentran en posiciones condiciones devaluadas o estigmatizadas por la lógica de la dominación, por lo que construyen trincheras de resistencia y supervivencia basándose en principios diferentes u opuestos a los que impregnan las instituciones de la sociedad.” (Castells, M. El poder de la identidad).

Pícate la curiosidad y ahonda en los elementos que configuran la identidad del artista como una apuesta por reflejar al sujeto en su obra, o puedes casarte con opiniones del tema como las del artista visual cartagenero Barubaro quien la considera como “una composición, la cual se puede reconocer como elemento esencial para el acto de creación y las recurrencias a los elementos que la conforman, pueden definirse como determinantes en el discurso conceptual y en la producción artística” https://barubaro.medium.com Nov 1, 2018.

Sala Botero | La identidad detrás del artista

Te invitamos a realizar un recorrido por las obras de Fernando Botero en la más amplia galería que tiene en la ciudad de Medellín, la cual, aunque no es espacio de comercialización, sí es un espacio pedagógico que, desde la contemplación, invita a las personas a valorar el arte plástico y visual del maestro.

Sala Botero | Décima reflexión

Con la décima reflexión de nuestra Sala Botero, pícate la curiosidad y ahonda en los elementos que configuran la identidad del artista como una apuesta por reflejar al sujeto en su obra.

Entrevista de Elena Cué para el blog Alejandra de Argos en la que ahonda sobre el imaginario Boteriano y lo que le da identidad al artista.

Entrevista: Alejandra de Argos

Artículo de redacción del Tiempo en el que un artista usa la obra de Fernando Botero y la suya como elementos para analizar la identidad.

Descripción del estilo de Fernando Botero como irreverente interpretación del estilo figurativo.

Entrevista en la que el maestro habla de la influencia de los muralistas mexicanos en la identidad de su obra.

Novena reflexión | Las representaciones de la muerte en el arte

Hablar de la muerte desde nuestra posición de seres vivientes, siempre será una postura egoísta, vemos esa acción humana desde un lugar privilegiado, el camino que transitamos todos los días en el planeta tierra, es un segundo menos de vida, pero, un segundo más cerca de la muerte. A través del arte hemos podido hacerle un pequeño guiño a ese terrible o alegre suceso que todos los seres vivos debemos afrontar en algún momento, desde las representaciones en las cavernas hasta la muerte romántica y poética de las vanguardias, hemos podido percibir que la muerte es parte fundamental de la vida misma, desde lo religioso o lo pagano, la muerte siempre estará marcando una línea “No lineal” de las situación, acciones, experiencias que el ser humano puede afrontar en su paso por la tierra, el arte simplemente está cumpliendo la función de dejar plasmado en representaciones plásticas, aquel intrínseco pero abismal recorrido, desde Picasso hasta Botero, desde la enfermedad hasta la vejez, desde la paz hasta la violencia, la muerte nos salva de la vida misma, solo nos queda el réquiem del arte como evidencia de lo importante de la reflexión estética de lo que nos rodea.

Manuel Rincón Peña

Novena reflexión | Las representaciones de la muerte en el arte

👩🏽‍🎨 ¿Te has preguntado qué importancia tiene la muerte en la representación artística?
Acércate a una nueva conversación en la Sala Botero 🎨 https://bit.ly/3JeotfT-Novena, para seguir descubriendo esos secretos 🤫 del arte a través de la obra del maestro Fernando Botero.
📲 ¡Conéctate y deja tus comentarios!

Sala Botero | Novena reflexión

El arte es todo aquello que nos rodea cada día de nuestras vidas, ¿te has preguntado qué importancia tiene la muerte en la representación artística? Veamos si otras personas se lo han preguntado también..

Conferencia del historiador de arte Christian Padilla, sobre un exhaustivo análisis sobre la obra del maestro Botero y sus representaciones de violencia en su obra.

Los horrores de una cárcel en Irak, son plasmados por la mano voluminosa de Botero, que nos hace reflexión acerca de la vida y la muerte.

Botero también expresa en su obra el dolor de las masacres en Colombia.

Conoce de cerca los secretos y pensamientos del maestro Fernando Botero sobre su obra del viacrucis.

Octava reflexión | Los formatos de Botero: pintura y escultura

¿Cuáles son las diferencias entre la pintura y la escultura? ¿sabías que son las dos técnicas que usa el maestro para expresar su arte? Estas preguntas se plantean como una manera de ahondar en las maneras en las que, a través del tiempo, se han servido los artistas para exteriorizar su sentir, narrar su historia y transformar su entorno. 

 Estos formatos que se abordan en esta ocasión, han evolucionado conforme el paso del tiempo y de la transformación de las técnicas -herramientas e insumos- les han ayudado a perfeccionarse, pues en los inicios del arte plástico y visual en la prehistoria dan cuenta de grabados y dibujos que, entre otras manifestaciones, se convierten en los inicios de la pintura y la escultura, es decir que, estas últimos son entonces, la evolución de esos primeros acercamientos que se dieron para retratar y emular, con permanencia en el tiempo, las figuras de flora y fauna que han rodeado a los humanos a lo largo de su trasegar, pero también, para exteriorizar sentires, emociones y creencias a las cuales se ha arraigado para darle sentido a su existencia. 

La conversación que este contenido multimedial expone en esta ocasión, permitirá conocer un poco de la historia de Medellín en su arte y de la relevancia que ambos formatos tienen en la resignificación del espacio público y con ello, la entrega que Fernando Botero hace de su obra ponderadamente escultórica a la ciudad, a pesar de ser el pintor vivo más importante de Colombia. 

¿Conoces las obras que hay en el espacio público de Medellín?  Conversemos con los investigadores Camilo Avendaño y Johanna Diosa   acerca de la pintura y la escultura   y cómo estos formatos han sido relevantes para la historia de la ciudad y sus artistas ¿Qué fue lo que más te llamó la atención de esta conversación?

En esta ocasión, reflexionaremos sobre esos aspectos de la pintura y la escultura que más nos llaman la atención en sus singularidades, por medio de la obra del Maestro Fernando Botero.

Temáticamente, al colombiano parece gustarle lo grotesco, por sus recurrentes imágenes deformadas, pero su obra supura un de un humor que se puede interpretar como una crítica sarcástica a la sociedad actual 

Enciclopedia de artes visuales que compila algunas de las obras del maestro Fernando Botero.

Fernando Botero le ha mostrado al mundo otra Colombia, quizá la misma, pero vista con el ojo de una persona honesta y comprometida con su trabajo.

“(…) yo mismo he pensado que Picasso, por ejemplo, se llama así porque su pintura se ha hecho como picando. (…) Y yo soy Botero. ¡No me llamo así por mis cuadros! Pero la gente insiste en creer que fue antes el cuadro que yo.

Séptima reflexión | Lo autodidacta vs lo académico 

El arte siempre ha sido una expresión del ser, del alma, del todo. Los artistas son seres capaces de traducir y plasmar en el cuerpo, en un lienzo, en una voz; sentimientos, emociones y situaciones. Dentro del mundo del arte existen, como en toda disciplina del conocimiento, aquellos que aprenden la técnica o el oficio de manera autodidacta, personas que tienen la autoexigencia y la pasión para, de manera autónoma, comprender, aprender y dedicarse a un área del arte. Y aquellos que son formados de manera académica, es decir, los que transitan por el mundo de las aulas, los autores y los conceptos. 

Existe la pregunta entonces, si tiene la misma validez en el arte la obra de un artista autodidacta a la de un artista formado en academia. Guillermo Arreola, pintor autodidacta mexicano expresa que ser artista radica en encontrar un momento creativo y explotarlo, pero a pesar de ello, habrá personas a las que nunca les surgirá dicho instante “no importa cuántos títulos o formación tengas, simplemente no se da”, aun así, hay aquellos que solo llaman artista al que ha pasado por el mundo académico.  

En la historia del arte, la academia nace en el ambiente artístico italiano en la época del 1500, donde artistas como Leonardo, Vasari, Zuccaro, Lomazzo, insistían en el carácter académico de la pintura, empeñándose en darle un lugar al arte de igual importancia como las matemáticas y la poesía, no obstante, existían los detractores que argumentaban que estas instituciones coartaban la capacidad creativa de los artistas y dividían al gremio. 

Este es un debate que se mantiene y que se hace tangible en las apuestas por profesionalizar a los artistas autodidactas, como es el caso del Ministerio de Cultura de Colombia y su programa de Profesionalización de Artistas. Aquí la academia se encuentra con un gran reto y es el de establecer relaciones dialógicas entre los planes de formación y las necesidades sociales, pues, sean autodidactas o profesionales, la función social de los artistas siempre será indispensable en la configuración de vida cultural de los pueblos.  

Referencias: 

https://www.milenio.com/cultura/necesario-estudiar-artista-pintor-guillermo-arreola 

https://www.artehistoria.com/es/contexto/la-academia-y-el-artista 

Sala Botero | Séptima reflexión

En esta oportunidad, la reflexión de la sala gira en torno a la discusión por el arte autodidacta y el arte académico. La academia se encuentra con un gran reto y es el de establecer relaciones dialógicas entre los planes de formación y las necesidades sociales, pues, sean autodidactas o profesionales, la función social de los artistas siempre será indispensable en la configuración de vida cultural de los pueblos.

Lo autodidacta vs lo académico

 ¿Tiene más méritos el artista que aprende por sí solo , o aquél que acude a la academia?  

 Únete a esta charla en la que Julio Cesar Salazar, Docente de la Universidad de Antioquia y Erasmo Arboleda Artista Plástico , intercambian opiniones al respecto. 

Fernando Botero – Historia de su pintura

Entrevista que Gloria Valencia de Castaño hace a Fernando Botero en 1.992, donde habla sobre su proceso de aprendizaje en Europa y de cómo llega al estilo que lo caracteriza.

¿Quién es Fernando Botero? | Bios Aula365

Video biográfico del maestro Fernando Botero que narra su trayectoria en el arte, sus influencias artísticas y sus apuestas estéticas. 

Fernando Botero: explora la obra del pintor latinoamericano más célebre de las últimas décadas

Artículo que cuenta la vida y obra del maestro en tres periodos importantes: su niñez, el momento en que viaja a Europa para estudiar en la academia de bellas artes de San Fernando y a aprender de los grandes maestros, su consagración y su legado. 

Empírico, popular
o autodidacta

Artículo que precisa la diferencia entre los conceptos de empírico, autodidacta y popular. No está relacionado con la vida y obra de Fernando Botero, pero ayuda a ilustrar el tema en el que se enfoca esta séptima reflexión. 

Sexta reflexión | El cuerpo en el arte 

A partir de diferentes perspectivas de la vida como el arte, la ciencia y la religión, el cuerpo ha sido tratado y concebido de maneras distintas a lo largo de la historia, pero siempre ha conservado la esencia de ser un contenedor. A finales del siglo III en Alejandría y el Bajo Egipto, cuna de la cultura griega, por primera vez se diseccionaron cuerpos animales y humanos, siendo estos los primeros acercamientos del conocimiento de la anatomía. Un poco más adelante, en el medioevo con la influencia de la iglesia, el cuerpo humano se convirtió en un elemento de flagelo, los medievales cayeron en extremos tales como no bañarse en años, dejar que la piel se les gangrenara, no alimentarse salvo con migajas de pan e incluso pasar semanas sin acostarse. Era tal el desprecio por el cuerpo que flagelarse se convirtió en una forma de vida. Entrado el renacimiento, se crea una relación diferente con el cuerpo, donde se permitió una observación directa del cadáver, es decir, comienza la anatomía como disciplina científica y se destacan los dibujos del cuerpo humano del artista Leonardo Davinchi. 

En este sentido, el cuerpo ha sido para el arte, un elemento inspirador. La anatomía humana es fundamental en los ejercicios de dibujo y pintura contemporáneos, y el cuerpo mismo se convierte en lienzo desde manifestaciones como el Body Art. Con el surgimiento de las artes performáticas, algunas de las categorías de análisis asociadas a la creación artística se cuestionan y reformulan: belleza, experiencia estética, armonía y creatividad; la obra es ante todo portadora de conceptos y surge el arte-objeto de uso cotidiano. La imagen se convierte en medio privilegiado de representación; el cuerpo queda inmerso en el universo simbólico de la imagen y la ritualidad. Está sujeto a procesos de transculturación, en los cuales el peso de la economía determina su curso y sus formas de simbolización en esferas como el arte y lo social.  

Es así como muchos artistas como Egon Schiele, han encontrado en el cuerpo el medio expresivo para reflejar lo más profundo del subconsciente o Marina Abramovic, la mediática performer Serbia que aparece siempre en impactantes instalaciones en las que se exploran los límites del cuerpo o el mismo Fernando Botero, para quien el cuerpo siempre ha sido el punto de partida para la creación de un estilo particular en el que implementa los volúmenes en las formas corporales.  

Referencias: 

http://www.fepal.org/wp-content/uploads/314-esp.pdf 

https://roxanarodriguezortiz.com/2009/08/31/el-cuerpo-como-objeto-de-arte/ 

Sala Botero | El cuerpo en el arte

¿Sabes cómo los artistas plasman el cuerpo en sus obras? Te invitamos para que conversemos con Eloy Morales desde España y Ángela Chaverra desde Medellín, sobre el papel que juega el cuerpo como objeto inspirador en el arte.

Sala Botero | Sexta reflexión

En la sexta reflexión de la Sala Botero, algunos artistas se aventuran a argumentar por qué el cuerpo, especialmente el cuerpo humano, es importante y debe ser tenido en cuenta en el proceso artístico.

Sofía Vargas:
amor por las figuras voluminosas

Artículo que resalta el estilo y manejo del volumen del maestro Fernando Botero, lo que da sensualidad a las formas del cuerpo humano. Para el análisis se resaltan seis obras: Obispos Muertos, 1965; Las Hermanas, 1969; Mona Lisa, 1978; El Baño, 1991; La Muerte De Pablo Escobar, 1999 y Bailarina En La Barra, 2001. 

José Enrique Finol y Dobrila Djukich de Neri Semiótica de las otras corporalidades

Análisis que desarrollconceptos de cuerpos alterados y mundos alterados, y se fundamenta en la hipótesis según la cual existe una relación estrecha y dialéctica entre unos y otros. Resume representaciones del cuerpo en la fotografía y en la escultura, e investiga las representaciones corporales de Picasso y de Botero. 

Ana Isabel Hernández Martín¡Ole tu cuerpo!

Galería virtual que recoge artistas que, a través de la historia del arte han trabajo el cuerpo como parte de su propuesta, y entre esos se reconoce a Fernando Botero. 

Reuters: “No pinto gordas, le doy protagonismo al volumen»

Entrevista al maestro Fernando Botero sobre el trabajo con el volumen, donde asegura que su obra busca exaltar la vida y darle al volumen un protagonismo más plástico y monumental.

Quinta reflexión | El arte para la transformación social

A lo largo de la historia de la humanidad, el arte ha sido un catalizador de experiencias de transformación, desde acciones individuales como la arte terapia, que permite manejar las emociones para la transformación individual, pasando por experiencias colectivas cómo el graffiti, el mural, el performance, y las instalaciones en el espacio público, que permiten una experiencia de resignificación de lo colectivo o de problemáticas colectivas. El arte o las manifestaciones artísticas dotan al sujeto de la capacidad en lo tangible de su subjetividad o en el caso de la colectividad sus subjetividades, formas de pensar, de actuar, su cultura, sus costumbres, en definitiva, sus distintos modos de vida. Se podría decir entonces que el arte es un dispositivo para la transformación individual y social; pero para sustentar esto es necesario primero definir el concepto de dispositivo; Giorgio Agamben lo resume brevemente en tres puntos:

1) [El dispositivo] se trata de un conjunto heterogéneo que incluye virtualmente cada cosa, sea discursiva o no: discursos, instituciones, edificios, leyes, medidas policíacas, proposiciones filosóficas. El dispositivo, tomado en sí mismo, es la red que se tiende entre estos elementos.

2) El dispositivo siempre tiene una función estratégica concreta, que siempre está inscrita en una relación de poder.

3) Como tal, el dispositivo resulta del cruzamiento de relaciones de poder y de saber (Agamben, 2011, p.2)

Si describimos experiencias de configuraciones artísticas que han permitido la reflexión de diversos temas situándonos en nuestro contexto colombiano, solo por nombrar algunas, estarían las obras de la artista Doris Salcedo; en estas, la artista pretende una reflexión profunda acerca del conflicto armado. También encontramos la artista Erika Diettes con su obra Relicarios, donde permite la voz a las víctimas del conflicto armado; es aquí entonces, donde encontramos el rol del artista y del arte desde su dimensión simbólica y metafórica. Se hallan dos vías en este sentido, el artista como testigo y el artista como facilitador.

En el primero de los casos, el artista como testigo, parte de la premisa que aquí este se convierte en un investigador etnográfico, así pues, se alimenta de su observación en campo y en los contextos para crear su obra, de esta manera el arte y la cultura son escenarios de denuncia y visibilización de la violencia política y social, nos paramos entonces desde un enfoque de arte relacional, donde el artista a través de sus recursos, por ejemplo el cuerpo, es capaz de representarlo violentado para traer la presencia de los desaparecidos, como posibilidad de encarnar la memoria, dándole otro registro al recuerdo desde otros lenguajes que no necesariamente impliquen la palabra escrita como archivo histórico; es decir, un compromiso político del arte y del artista contemporáneo.

El artista, en este caso, es un observador que presencia, que se vale de lo etnográfico para propiciar una lectura, para actualizar otro registro de la mirada, para establecer una relación con lo otro que se configura en el marco de una realidad concreta. Su perspectiva no es la del investigador social, no aspira a la construcción objetiva de los hechos ni de las relaciones en las que se inscriben, su obrar es un obrar estético que configura poéticas y políticas” (Martínez, 2013, p. 13)

La otra perspectiva es el artista como mediador social o facilitador, donde el arte es el medio y no el fin, que le permite generar propuestas con las comunidades desde la construcción colectiva para la transformación social, construyendo procesos desde los testimonios de las comunidades; es decir, la participación es indispensable desde este enfoque. Podríamos hablar entonces de metodologías como el teatro foro, el graffiti, el tejido, el hip hop. Un ejemplo de ello es la comuna trece (13) de Medellín donde el graffiti ha logrado mediar contextos de violencia; esta perspectiva implica sin duda la participación activa de las comunidades donde se permiten narrar lo que vivieron dando lugar a nuevas significaciones o para construir narrativas sobre lo que envuelve la construcción de paz territorial. Con el anterior panorama podemos ver que la labor del artista y su producción artística sea como testigo o como facilitador se convierte entonces según lo plantea Agamen en ese dispositivo que contiene discursos, estrategias, en redes y que es capaz desde sus contenidos poder resignificar las relaciones de poder para permitir espacios de creación y construcción comunitaria.

Fuentes

Agamben, Giorgio. (2011). ¿Qué es un dispositivo? Sociológica (México), 26(73), 249-264. Recuperado de: http://www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0187-01732011000200010&lng=es&tlng=e

Martínez, Felipe. (2013). Las prácticas artísticas en la construcción de memoria sobre la violencia y el conflicto. Eleuthera, 9(2), 39-58.

Sala Botero | El arte para la transformación social

¿Tiene el arte el poder para transformar a la sociedad? Acompáñanos en esta reflexión de la Sala Botero, en la que tres artistas y coordinadores de procesos sociales en diferentes partes de la ciudad, se aventuran a dar respuesta a esta pregunta. Y tú ¿Qué opinas al respecto?

Sala Botero | Quinta reflexión

Con este podcast abrimos la discusión acerca del arte para la transformación social. Recuerda que hace parte de la Sala Botero del Parque Biblioteca Fernando Botero y que, cada mes, tenemos invitados especiales en un espacio de diálogo. Conócela y cuéntanos lo que opinas

La violencia en la obra de Botero

En la obra de Fernando Botero desde sus propuestas más tempranas se puede identificar el tema de la violencia, que ha transitado desde los abusos del ejercito Norte Americano hasta la vivida en su propio país.

Botero retrata décadas de violencia en Colombia

Exposición de 50 pinturas del maestro Fernando Botero, en El Museo Nacional de Colombia, mediante la cual narra la violencia por la que ha transitado Colombia. Una reflexión en la iconografía del maestro frente a la violencia.

Botero se rebela contra el olvido de Abu Ghraib

Serie del artista Fernando Botero, que trabaja el tema sobre los abusos del ejército estadounidense a los prisioneros en la cárcel Iraquí de Abu Ghraib.

Entrevista: LA TORTURA en los ojos de Botero

Entrevista de Macarena García al Maestro Fernando Botero donde relata el proceso de creación y el alto costo de sus obras de la serie de Abu Ghraib.

Cuarta reflexión | La subjetividad en el arte

La reflexión por la subjetividad en el arte surge a partir de la interrogante permanente por lo complejo que es la creación artística en su definición como tal, y en la formación y/o transformación de un sujeto en artistaEl texto que compartimos a continuación, denominado “La subjetividad en el arte y en la construcción del artista. El peso de quién lo mira” de  Abel Gerlinger y Maricel Dana, escrito en 2018 y publicado en la revista Escritos en la Facultad Nº138 en Buenos Aires, Argentina; ilustra de manera clara y precisa, el objeto de esta reflexión.

La subjetividad en el arte y en la construcción del artista. El peso de quién lo mira. 

Existe desde la antigüedad una duda propia de la filosofía, a la que probablemente sea complejo encontrarle una respuesta concreta, pero eso no significa que no la haya. Hay dos preguntas que se pretende resolver desde hace mucho tiempo: ¿qué nos lleva a denominar a un objeto, un acto físico, un escrito, o una pintura o una danza como una obra de arte?, ¿qué condiciones debe reunir una persona para ser llamado artista? La respuesta más habitual que solemos encontrar es que es algo muy subjetivo, ya que depende de diversas cualidades que el ser humano ha ido atribuyéndole a lo que hemos pasado a llamar arte, pero que muchas veces se encuentra alterado por otros factores externos, que hacen que sobre la vereda de enfrente, mucha gente esté en contra de esa denominación.  

Es que, lo que puede para alguien ser considerado como bello, no necesariamente lo será de igual forma para cada persona que contemple ese objeto o esa acción. Ya lo proclamaba el famoso poema de Ramón de Campoamor: “En este mundo traidor nada es verdad ni mentira, todo es según el color del cristal con que se mira”. A partir de esto, podríamos deducir que ningún enfoque sería correcto ni incorrecto y que cada apreciación varía dependiendo de quién la juzgue, teniendo en cuenta elementos como: la cultura propia del individuo, su experiencia personal, el conocimiento acumulado, las emociones y una dosis de tecnicismo propio de cada disciplina, que en este caso el juez de la manifestación artística puede conocer o desconocer. 

Otros apuntes 

De acuerdo con estos autores, las creaciones son objetos tangibles e intangibles que existen de manera objetiva y se comprueban en la realidad, y así como no dejan de contener la subjetividad de quien los crea, tampoco pueden desligarse de la subjetividad de quienes tienen la oportunidad de apreciarlo de acuerdo con sus propios contextos “(…) Es por eso que, mientras en el mundo exista la libertad de expresión y una variedad inconmensurable de personalidades y opiniones, el arte seguirá siendo eternamente una cuestión de subjetividad” (Gerlinger; Dana, 2018) 

Conversación: la subjetividad en el arte

¿Consideras que todos los seres humanos pueden ser artistas? No te pierdas este maravilloso espacio donde estaremos conversando con el docente y artista Diego Domínguez y el historiador, docente e Investigador, Gustavo Adolfo Villegas, acerca de la subjetividad en el arte y de la construcción del artista.

Podcast | La subjetividad en el arte

En las voces de varios artistas, conozcamos la importancia de la subjetividad, tanto en para la creación como para la apreciación de las obras de arte, pues es la subjetividad la que hace al artista.

Antonio García – YouTube

Crítica de Antonio García Villarán, YouTuber, profesor de arte y pintor español. Autor del libro “El Arte de NO Tener Talento” y opositor de algunas de las corrientes del arte contemporáneo como el performance, el videoarte y la instalación.

Diego Gadir – El Imparcial | Cultura

Crítica de arte realizada por Diego Gadir, titulada Botero gran reserva 1959 y otras buenas añadas” publicada el 11 de marzo de 2019. 

Alejandro Martín – Revista Semana

Crítica del curador del Museo La Tertulia de Cali, Alejandro Martín a la obra Fernando Botero. Este artículo y el siguiente fueron compilados por la revista Semana.

Alejandro Martín – Revista Semana

Crítica del curador del Museo La Tertulia de Cali, Alejandro Martín a la obra Fernando Botero. Este artículo y el siguiente fueron compilados por la revista Semana.

Tercera reflexión | De arte sí vive el hombre

En este tema son más los cuestionamientos que existen, que las certezas y respuestas, entonces ¿Qué es lo que le da valor a una obra de arte? Se pregunta Angela Vettese en su libro El arte contemporáneo. Entre el negocio y el lenguaje, Vettese plantea que existe una serie de factores que le dan atributos a la obra de arte y que de esta manera llega a posicionarse dentro del mercado, uno de ellos, es el tiempo, es decir, solo este dirá si esa obra que se vendió por miles de millones de dólares fue relevante para la historia del arte o no. Lo anterior, deja entrever cómo los atributos de las obras de arte son convenciones socialmente establecidas que le atribuyen valor, constructos evidentemente culturales que las posiciona o no, en el basto mercado del arte. 

Vettese hace una bella enunciación sobre quién es artista dentro del mundo del arte contemporáneo, respondiendo al interrogante ¿Los artistas se hacen o los hacen las galerías y los curadores? Y lo define como esa figura que revela cosas que nos conciernen, aunque no siempre nos demos cuenta (Vettese, 2013, Pag 18). Pero entonces, si son esos sujetos que revelan cosas, ¿Por qué no todos tendrían la misma validez?, ¿Acaso todo lo que producen los artistas no revela cuestiones a ser reflexionadas y analizadas? Lo que abre una serie de reflexiones sobre cuál es el verdadero papel del arte en la sociedad actual, o solo es un negocio donde expertos, medios de comunicación, coleccionistas, curadores y marchantes, dicen qué es o no, una obra de arte.  

Cabe preguntarse entonces si el artista siempre tendrá condicionamientos externos para crear en función de su sobrevivencia. Otrora la iglesia financiaba las obras, o en algunos casos, el Estado contrataba artistas para realizar grandes murales tipo Diego Rivera o Pedro Nel Gómez, pero ¿Qué tanto condiciona esto su creatividad? ¿Qué tanto los artistas actuales producen en función de lo comercial? ¿Cuántos artistas están produciendo cosas realmente maravillosas, pero no logran llegar a los mercados del arte por no contar con los contactos adecuados o no estar en las esferas del poder del arte? Esta reflexión es para invitarles a darle el valor que se merece al arte y el artista, desde las acciones cotidianas, independientemente de las lógicas del mercado y posicionar así la creación desde un lugar real, de incidencia, de debate, de construcción colectiva, para ver a los artistas como sujetos creativos que posibilitan otros mundos y miradas en el mundo contemporáneo.

Galería Duque Arango | Medellín 

Es la única galería en la ciudad de Medellín que comercializa la obra de Botero. Viene trabajando desde 1980, y es un “referente de difusión para artistas consagrados y emergentes, presentando propuestas modernas y contemporáneas, brindando al coleccionismo nacional e internacional y al público en general, una amplia asesoría de inversión clara y contundente”.  En la pestaña “artistas” encuentras las obras del maestro con su respectiva ficha técnica, además de un botón para más información, donde puedes llenar un formulario sencillo para adquirirlas. 

Sitio Galería Duque Arango

Museo de Arte Moderno de Nueva York | MOMA

El MOMA es una de las instituciones con mayor peso a nivel artístico del mundo y alberga parte de la colección del maestro Fernando Botero. En su página Web se pueden encontrar cuatro obras en línea, pero la colección física es más grande. Para buscar las obras del maestro en la página, da clic en la pestaña arte y artistas (art and artists) y luego a artista (artist). Seguido a ello aparecerá un buscador donde puedes poner el nombre del artista -Fernando Botero- y aparecerán las obras que se encuentran en línea.

Sitio MOMA

Gary Nade Art Centre | Miami

Gary Nader Art Centre es una de las galerías más grandes del mundo y está situada en el corazón del Distrito de Arte de Wynwood en Miami. Cuenta con obras de artistas latinoamericanos, modernos y contemporáneos. Presenta un gran número de exposiciones individuales y colectivas, publicaciones de catálogos y libros de arte, así como amplios servicios profesionales para ayudar a clientela privada, corporaciones y museos con la adquisición o venta de obras de arte; así como certificaciones, servicios de evaluación, asesoría artística e información curatorial, incluida la catalogación y la conservación de obras de arte.  

En el “Espacio Botero” hay una selección destacada de su obra entre pinturas, esculturas y dibujos. Este espacio abrió al público el 2 de diciembre de 2019, atrayendo a una amplia atención de visitantes en las primeras cuatro semanas.

Sitio Gary Nade Art Centre

Felipe Grimberg Fine Art | Miami

Felipe Grimberg Fine Art es una empresa de arte privada que inició en Bogotá, Colombia en 1986 y en 2000, se mudó a su sede permanente en Miami, Florida. Se ha ganado la reputación de ser un comerciante de renombre que ha apoyado a instituciones de arte y ayudado a artistas individuales a lo largo de sus carreras. Ha puesto las obras de artistas como Chagall, Picasso, Warhol, Basquiat, Twombly, Moore y Botero entre otros, en muchas colecciones privadas, hogares y museos; guiando a clientes, coleccionistas y compradores en la adquisición de obras de arte alineadas con sus objetivos de compra.

En la página puedes encontrar las obras de Fernando Botero con su respectiva ficha técnica y una pequeña reseña del maestro, así como el libro Selling BOTERO, que cuenta la historia de la carrera de Felipe y su verdadera relación con un artista, en este caso Botero. 

Sitio Felipe Grimberg Fine Art

Sala Botero | De arte sí vive el hombre

¿Crees que los artistas pueden vivir de la venta de sus obras? Acompáñanos a conversar con Germán Benjumea y Francisco Javier Escobar, acerca del mercado del arte y sus desafíos en la actualidad. Cuéntanos ¿Has comprado arte? ¿Por qué?

De arte sí vive el hombre, desafíos contemporáneos

En el podcast de nuestra tercera reflexión, varios artistas opinan acerca de si se puede vivir del arte o no, máxime en un país como Colombia. Te invitamos a escuchar las opiniones y reflexiones que se plantean alrededor de esta pregunta.

Segunda reflexión | El arte como dispositivo de mediación

En palabras de la crítica Marta Traba, la obra del maestro Fernando Botero es “una obra que deforma la visión lógica con el añadido de la fantasía, la burla, el estrepitoso peso de las formas, lo que la hace extremadamente interesante” y por eso se ha convertido en un recurso metodológico potente para muchos actores culturales de la ciudad a la hora de mediar diversos contenidos con diferentes grupos poblacionales como niños, niñas y adolescentes.  

Pensarse la obra de arte y el arte mismo como un puente facilitador, es también una manera de apreciarlo, de acercarse a él y disfrutarlo. Las obras no dicen nada por sí mismas, ya que no tienen dentro de sí ninguna esencia, puesto que no existe en ellas «algo así como una propiedad intrínseca y no relacional» (Rorty, 1992: 101, citado en Arriaga, 2010: 4). La premisa del arte contemporáneo es precisamente esa, la relación que se pueda establecer con la obra de arte, más allá del conocimiento que se pueda tener de la misma, ni de pensar que nos está diciendo al artista, es poder vivirlo. De ahí que muchos actores artísticos y culturales e instituciones alrededor del mundo entre los que se encuentran museos, centros educativos y centros comunitarios, entre otros, se han permitido construir cuerpos pedagógicos y metodológicos que lleven a los públicos a vivir el arte desde la mediación y la interacción, más allá de la apreciación critica ilustrada, poniendo en marcha mecanismos para establecer vínculos o relaciones a partir de las cuales el público se conecte con eso que está viendo.   

En este sentido, el arte no es solo para apreciar, sino también un dispositivo pedagógico potente para trabajar diversas temáticas, reflexionar y conversar. Las manifestaciones artísticas capacitan a los sujetos en lo tangible de su subjetividad o en el caso de la colectividad sus subjetividades: formas de pensar, de actuar, su cultura, sus costumbres, en definitiva, sus distintos modos de vida, y, la mediación artística, es una práctica que promueve procesos de inclusión social en la medida en que permite acercar el arte a cualquier ser humano, pensándose nuevas formas de establecer la relación entre arte, publico, sociedad e institucionalidad desde perspectivas de horizontalidad, donde el arte, es la piedra angular para el desarrollo de estas apuestas.

¿No has visitado nuestra Sala Botero? ¿Qué esperas para hacerlo? En la reflexión 2 de este espacio virtual que creamos alrededor de la vida y obra del Maestro Fernando Botero, conversaremos con la Investigadora y Arte-Educadora, Vanessa Acosta y con Carolina Giraldo, Coordinadora Pedagógica del Museo de Antioquia, acerca del arte como herramienta de mediación cultural. ¿Qué papel juega el arte en tu vida? Cuéntanos…

En el podcast de la segunda reflexión, los niños nos cuentan por qué es importante para ellos el arte y cómo acciones como pintar, dibujar y esculpir, les aporta en su crecimiento.

Zamba: Excursión al Museo de Bellas Artes  

En esta excursión al Museo de Bellas Artes, Zamba y sus compañeros de clase, de manera mágica se encuentran al maestro Fernando Botero, quien les explica su obra de una forma muy divertida. Puedes ver otros videos como este en el canal de nuestros amigos de Pakapaka o en su web www.pakapaka.gob.ar/institucional 

Conoce a Fernando Botero

En este video, CBeebies, canal abierto de la BBC para niños menores de 6 años, nos cuenta la vida y obra del maestro Fernando Botero, resaltando detalles de su obra y de su influencia en el mundo del arte, rindiéndole un hermoso homenaje a este artista colombiano. Accede a otras de sus producciones en https://global.cbeebies.com/ 

Botero en Plastilina

En este divertido tutorial, desde la estrategia Molinos Kids nos enseñan a realizar figuras en plastilina, inspiradas en el artista colombiano Fernando Botero. El Gato y La Paloma son dos esculturas que pueden encontrase en la Plaza Botero en la ciudad de Medellín y también, alrededor del mundo. Accede a otras propuestas didácticas para hacer en familia, con los más chicos del hogar https://losmolinos.com.co/ 

Narrando la vida del maestro

Los pequeños de Ayaneiba Teatro y sus títeres, nos invitan a conocer un poco más de la vida y obra del maestro Fernando Botero, por medio de esta biografía narrada. Disfruta de sus voces y de los divertidos personajes que crearon para contar esta historia. Para acceder a otras obras de este grupo, pueden buscarlos en Facebook como @AyaneibaTeatro. 

Primera reflexión | La inspiración en el arte

En su libro Inspiración: la llama que enciende el alma, Jesús Alcoba González afirma que, debido a la poca evidencia creativa que hable de la inspiración -Libros, pinturas, obras musicales, etc. “Da la impresión de que, aunque todo el mundo busca la inspiración, este fenómeno no ha logrado atraer suficiente atención por parte de artistas, escritores o científicos. Se podría especular que el culpable de este fenómeno es el mismísimo Edison, a quien debemos esa frase por todos conocida que nos dice que el genio es un 1% inspiración y un 99% transpiración. Así expresado, da la impresión de que la inspiración palidece frente a la importancia decisiva del trabajo duro. Podría redondear esta idea el pensamiento de Pablo Picasso, quien afirmaba que la inspiración existe, aunque tiene que encontrarnos trabajando. George Gershwin, por su parte, decía que si solamente dependiera de las musas no compondría más de tres obras al año, y Chuck Close nos dejó esta frase, que apunta en la misma dirección: La inspiración es para los amateurs. Los demás simplemente llegamos y nos ponemos a trabajar (Currey: 2016). 

La inspiración es un fenómeno íntimo y sublime. Y es generoso en lo que nos aporta, tanto a cada persona individual como a ese cada vez más amplio conjunto de logros humanos que llamamos cultura. Ojalá este segundo y comedido intento, tras la pionera obra de Rosamond Harding, anime a otras muchas personas a investigar y escribir sobre este fascinante fenómeno, pues no hay ninguna experiencia humana que, a la vez, nos haga trascender y evolucionar tanto como la inspiración.  

El fascinante fenómeno de la inspiración ha permanecido envuelto en su misterio durante siglos. A pesar de ser el origen de muchos de los momentos más dichosos de nuestra vida, y de haber alimentado ese extraordinario edificio que llamamos cultura, su auténtica esencia se ha mantenido oculta hasta hace muy poco tiempo. 

Tomado de “Inspiración: la llama que enciende el alma” 

Alcoba, J. (2018). 

El grupo de baile Clase viva se inspira en la obra de Fernando Botero para deleitarnos con algo de danza contemporánea y tango.

La actriz Katerine Pombo se inspira en la obra «La Lectora» del maestro Fernando Botero y realiza una puesta en escena con dramaturgia propia.

“Para la común opinión, los artistas son los que más estrechamente dependen de la inspiración. La gente se los suele figurar presa de una fiebre permanente, encorvados bajo el yugo de la obra realizar” 

Dafne, C. Cortés, A. 2001

En el podcast de nuestra primera reflexión nos preguntamos por aquello que inspira a los artistas ¿Puede un artista inspirar a otro? averígualo en este vox pop.

¿Qué inspira a los artistas? Acompáñanos a conocer esta bella sala virtual inspirada en el Maestro Fernando Botero, en este, que es su año. Tendremos una conversación acerca de la inspiración, cuáles son las motivaciones y musas de los artistas. Y a ti, ¿¡Qué te inspira!?

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